9 ชิ้นงานศิลปะมินิมัลลิสต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดที่กำหนดประเภท

ประเภทของศิลปะมินิมัลลิสต์ถูกเปิดเผยในงานศิลปะรูปแบบต่างๆ ได้แก่ ภาพวาด ดนตรี และวรรณกรรม มันเกิดขึ้นในยุค 60 ของศตวรรษที่ XX และเกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อการแสดงออกทางนามธรรม ชาวมินิมัลลิสต์พยายามหลีกเลี่ยงลักษณะที่แสดงออกของการแสดงออกทางนามธรรม เนื่องจากพวกเขาถือว่างานเหล่านี้โอ้อวดเกินไป โดยมองข้ามแก่นแท้ของศิลปะด้วยตัวมันเอง ในทางตรงกันข้าม ศิลปินแนวมินิมอลพยายามสร้างรูปภาพจากเส้นและตัวเลขที่เรียบง่าย Minimalism โดดเด่นด้วยการตีความผลงานผ่านสายตาของคนดู โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับงานศิลปะชิ้นนี้ วัตถุที่ซับซ้อน วิธีการแสดงตัวตน ชีวประวัติและโปรแกรมทางสังคมทั้งหมดจะถูกลบออก คนดูควรเห็นภาพตามความเป็นจริง เต็มไปด้วยความงามที่บริสุทธิ์และความซื่อสัตย์

เนื่องจากเน้นองค์ประกอบพื้นฐานอย่างมาก ประเภทของความเรียบง่ายจึงเรียกว่าศิลปะ ABC มินิมัลลิสต์ที่โดดเด่นที่สุดส่วนใหญ่เป็นประติมากร แต่มินิมัลลิสต์ก็แพร่หลายเช่นกันใน Land Art ซึ่งเป็นหน่อของประเภทที่มุ่งสร้างงานศิลปะในรูปแบบของภูมิทัศน์ โดยพื้นฐานแล้วเป็นสาขาของการออกแบบภูมิทัศน์

Minimalism ยังเน้นไปที่การเคลื่อนไหวของแสงและอวกาศ แต่ศิลปินแนวนี้หลายคนพยายามพรรณนาถึงความว่างเปล่าในผลงานของพวกเขา

เชื่อกันว่าความเรียบง่ายมีต้นกำเนิดในเอเชีย สำหรับผลงานของศิลปินชาวตะวันตกหลายคน ดังตัวอย่างโดย Agnes Martin พุทธศาสนานิกายเซนมีผลกระทบอย่างมาก ศิลปินแนวมินิมอลจำนวนมหาศาลได้รับอิทธิพลจากแนวคิดเรื่อง "ความว่างเปล่า" ที่ยืมมาจากพระคัมภีร์ฮินดู Mono-ha เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวแบบมินิมอลที่ใหญ่ที่สุดในเอเชีย เป็นขบวนการศิลปะร่วมสมัยที่ได้รับการยอมรับในระดับสากลเป็นแห่งแรกของญี่ปุ่น Mono-ha หรือที่เรียกว่า "School of Things" มีต้นกำเนิดในช่วงกลางทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ XX และกลายเป็นขบวนการทางศิลปะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ กลุ่มนี้นำโดย Li Ufang และ Nobuo Sekine เป็นสมาคมเดียวที่กำหนดให้กิจกรรมเป็นกิจกรรมที่ "ไม่สร้างสรรค์" กลุ่มดังกล่าวปฏิเสธแนวคิดดั้งเดิมของการเป็นตัวแทน ความปรารถนาของพวกเขาคือการเปิดเผยโลกด้วยการโต้ตอบกับวัสดุและคุณสมบัติของมัน ซึ่งคล้ายกับแนวโน้มของความเรียบง่ายแบบตะวันตก

เราเสนอให้ดูผลงานศิลปะมินิมัลลิสต์ที่โด่งดังที่สุดโดยเน้นว่าเป็นของประเภทนี้ คุณยังจะได้เห็นภาพวาดและประติมากรรมที่ทำลายแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับศิลปะโดยทั่วไป เนื่องจากสิ่งเหล่านี้ได้ลบความแตกต่างระหว่างกัน

แฟรงค์ สเตลล่า "แบนเนอร์ลอยฟ้า!" (1995)

Frank Stella ในฐานะจิตรกร ประติมากร และช่างพิมพ์ ถือเป็นหนึ่งในศิลปินชาวอเมริกันที่ทรงอิทธิพลที่สุดในปัจจุบัน ภาพวาดของเขาซึ่งเต็มไปด้วยลายทางและภาพพิมพ์อันโอ่อ่า ไม่เพียงปฏิวัติโลกของความเรียบง่ายเท่านั้น แต่ยังเป็นนามธรรมอีกด้วย ผู้เขียนตั้งข้อสังเกตว่าอิทธิพลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในงานของเขามาจากศิลปินนามธรรมพอลล็อคและไคลน์ แต่ด้วยเจตจำนงแห่งโชคชะตา Frank Stella กลายเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษผู้ก่อตั้งความเรียบง่าย

“ป้ายขึ้น!” ตั้งชื่อตามเพลงเดินขบวนของพวกนาซี แต่ทุกอย่างยกเว้นชื่อภาพดูเหมือนจะไม่มีความหมายใดๆ งานนี้เป็นส่วนหนึ่งของวัฏจักรใหญ่ของงานด้านมืดของสเตลล่า เส้นแสงที่มองเห็นได้ชัดเจนในภาพเป็นเพียงผืนผ้าใบที่ไม่ผ่านการบำบัดที่เหลืออยู่ท่ามกลางแถบสีดำกว้างๆ งานขาวดำนี้เป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดที่ท้าทายการเคลื่อนไหวนามธรรม

โรเบิร์ต มอร์ริส Untitled (Mirror Cubes) (1965/71)

"Untitled (Mirror Cubes)" โดย Robert Morris เผยให้เห็นว่าเขาไม่เพียง แต่เป็นผู้สร้างประเภทมินิมัลลิสต์เท่านั้น แต่ยังเป็นแนวความคิดอีกด้วย ผู้เขียนพบกล่องสีเทาขนาดใหญ่ที่ทำจากไม้อัดและใช้เป็นเครื่องประดับในขณะที่ยังแสดงร่วมกับคณะบัลเล่ต์ ในงานของเขา เขาปิดกล่องเหล่านี้ด้วยกระจก ซึ่งจะเปลี่ยนวิธีการรับรู้ เพิ่มคุณสมบัติการมองเห็นใหม่ให้กับลูกบาศก์สีเทาที่เรียบง่าย องค์ประกอบนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อปฏิสัมพันธ์โดยตรงของผู้ชมกับวัตถุ: เดินไปมาระหว่างลูกบาศก์ที่สะท้อนออกมา ผู้ชมจะชนกันเองโดยไม่ตั้งใจและคงอยู่ราวกับอยู่คนเดียวด้วยความคิดของพวกเขา แต่อยู่คนเดียวกับทุกคน การกระทำที่ชื่นชมผลงานศิลปะถูกขัดจังหวะด้วยการค้นหา มันอยู่บนพื้นฐานนี้ที่ "การบุกรุก" ของพื้นที่แกลเลอรี่เกิดขึ้น คนเริ่มรู้สึกถึงการมีอยู่ของศิลปะเกินกว่าที่มองเห็นได้

แอกเนส มาร์ติน กลับสู่โลก (1997)

แอกเนส มาร์ติน วาดภาพที่ไม่ได้วาดภาพวัตถุแต่อย่างใด แต่ชื่อของพวกเขาเน้นย้ำถึงเสน่ห์อันแข็งแกร่งของธรรมชาติ ผลงานของมาร์ตินได้รับการยอมรับจากตารางที่ผสมผสานความเรียบง่ายและโทนสีเข้าด้วยกัน กริดถูกใช้เพื่อจัดระเบียบพื้นที่ของผืนผ้าใบ เธอได้ช่วยสร้างผลงานการผ่อนคลายที่หลากหลายไม่รู้จบในโทนสีที่ละเอียดอ่อน

มาร์ตินได้รับอิทธิพลอย่างมากจากพุทธศาสนานิกายเซนและลัทธิเต๋า มาร์ตินจึงแยกตัวออกจากโลกมาเกือบตลอดชีวิต แม้แต่อาศัยอยู่ในนิวเม็กซิโก ตอนอายุ 40 เธอได้รับการวินิจฉัยว่าเป็นโรคจิตเภท "Back to the World" เขียนขึ้นในทศวรรษที่ 9 ของชีวิตเธอ ตอนนั้นเธออยู่ในบ้านพักคนชรา แถบสีน้ำเงิน ลูกพีช และสีเหลืองยังคงเน้นย้ำถึงความพิเศษเฉพาะตัวของศิลปะในโลกที่เต็มไปด้วยการทุจริต เธอจึงลดขนาดผืนผ้าใบของเธอให้ยากต่อการจัดการน้อยลง

Ellsworth Kelly, แดง, เหลือง, น้ำเงิน II (1953)

การบริการในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองมีผลกระทบอย่างชัดเจนต่อเอลล์สเวิร์ธ เคลลี่ ในทางหนึ่ง มันถูกใช้เพื่อสังเกตธรรมชาติและสถาปัตยกรรม แล้วนำไปใช้ในทางปฏิบัติ การศึกษานามธรรมอย่างรอบคอบโดยผู้เขียนและการประยุกต์ใช้งานในผลงานของเขาได้พัฒนาความเรียบง่าย ชุดของภาพวาด "แดง เหลือง น้ำเงิน" มีอิทธิพลต่อวิธีการทาสี มันถูกสร้างขึ้นทันทีที่ Kelly ค้นพบความเป็นไปได้ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของสเปกตรัมสีขาวดำ การสุ่มและองค์ประกอบหลายแผง

แดง เหลือง น้ำเงิน II ประกอบด้วยเจ็ดแผง แผงสีดำตรงกลางเป็นทั้งแผงแบ่งและสามแผงในแต่ละด้าน แผงสีน้ำเงินที่ปลายสายช่วยขับเน้นองค์ประกอบของ Kelly งานนี้ถือเป็นผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาและเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดระหว่างที่เขาอยู่ในปารีส

Sol Levitt, ผนังทาสี

Sol Levitt ทาสีผนัง 1,350 แห่งใน 40 ปีในอาชีพการงานของเขา โดย 3,500 แห่งเป็นการติดตั้งใน 1,200 ไซต์ การออกแบบแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ตั้งแต่แถบตรงที่ทาด้วยกระดานชนวนสีดำ ไปจนถึงเส้นหยักหลากสี รูปทรงเรขาคณิตสีเดียว และพื้นที่สว่างที่ทาสีด้วยอะครีลิค ผู้เขียนปฏิเสธความสำคัญดั้งเดิมของมือของผู้สร้างเอง ทำให้เขาสามารถช่วยเหลือผู้อื่นในการสร้างสรรค์งานศิลปะของเขา ภาพวาดฝาผนังของเขาใช้รูปแบบของพื้นที่ที่พวกเขาครอบครอง ดังนั้นพวกเขาจึงอยู่ภายใต้การศึกษาด้านสถาปัตยกรรมและศิลปะ

เลวิตต์ถึงแก่กรรมในปี 2550 แต่งานของเขายังคงมีชีวิตอยู่เพราะจิตวิญญาณของศิลปินฝังอยู่ในนั้น ทุกวันนี้ มีศิลปินหลายคนที่ปฏิเสธที่จะสร้างภาพวาดฝาผนังของเขาขึ้นมาใหม่ ซึ่งทำให้พวกเขาสามารถตกแต่งผนังได้ทั่วโลก

จูดี้ ชิคาโก จาก Rainbow Picket (1965)

Rainbow Picket เป็นงานติดตั้งขนาดห้อง ประกอบด้วยสี่เหลี่ยมคางหมูหกอัน มีสีและความยาวต่างกัน นอกเหนือจากนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกที่ Rolf Nelson Gallery ในลอสแองเจลิส (มกราคม 2509) งานนี้ยังได้แสดงในนิทรรศการพื้นฐาน "Basic Structures" ที่พิพิธภัณฑ์ชาวยิวClement Greenberg นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียง กล่าวถึงงานนี้ว่าดีที่สุดในด้านนี้ ในปี พ.ศ. 2547 Rainbow Picket ถูกสร้างขึ้นใหม่ และต่อมาวัตถุดังกล่าวได้กลายเป็นจุดเด่นของ LAMOCA “Minimalistic Future? ศิลปะในฐานะวัตถุ (พ.ศ. 2501-2511) "

ด้วยการสร้างผลงานเช่นนี้ การทดสอบความเป็นไปได้ของสีด้วยรูปแบบและโครงร่างเชิงพื้นที่ที่เธอสร้างขึ้นเอง จูดี้ ชิคาโก้จึงมีชื่อเสียงในฐานะผู้ริเริ่มในประเภทมินิมัลลิสต์

แดน ฟลาวิน "Untitled (หลังจาก Harold Joachim) 3" (1977)

"Untitled (หลังจาก Harold Joachim) 3" เป็นผลงานหนึ่งของ Dan Flavin ประกอบด้วยโคมไฟ LED และคลิปโลหะ ผู้เขียนศึกษาความเป็นไปได้ของแสงฟลูออเรสเซนต์เป็นเวลาสามทศวรรษ โดยทำงานด้วยวัสดุที่มีจำหน่ายในท้องตลาดเท่านั้น หลังจากละทิ้งแนวคิดเกี่ยวกับการแสดงออกทางนามธรรมแล้ว Flavin เริ่มใช้อุปกรณ์ดังกล่าวแล้วนำมันเข้าสู่โลกแห่งศิลปะชั้นสูง เมื่อมองแวบแรก ดูเหมือนงานจะเรียบง่ายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แต่หากมองใกล้ ๆ คุณจะเห็นความวิจิตรบรรจงของงาน

ผลงานของฟลาวินมักจะไปไกลกว่าพื้นที่ที่พวกเขาตั้งอยู่ ต้องขอบคุณการเล่นแสงและจานสีที่หลากหลาย วัตถุช่วยให้ผู้ชมได้อาบแสงอันอบอุ่นของ LED เพื่อสร้างบรรยากาศที่เฉพาะเจาะจง

อีวา เฮสส์, "งานนิรนาม (ชิ้นเชือก)" (1970)

อีวา เฮสส์เกิดที่ประเทศเยอรมนี ตอนนี้เรารู้จักเธอในฐานะประติมากรชาวอเมริกันที่มีนวัตกรรมในการทำงานกับน้ำยาง ไฟเบอร์กลาส และพลาสติก เธอวางรากฐานสำหรับการพัฒนาหลังลัทธิมินิมอลในยุค 60 ของศตวรรษที่ XX ผู้เขียนได้สำรวจคุณสมบัติของวัสดุที่ง่ายที่สุดสำหรับใช้ในภาพประกอบอีกมากมาย

"งานนิรนาม (ชิ้นส่วนของเชือก)" ถูกสร้างขึ้นในปี 1970 เมื่อเฮสส์ใกล้จะถึงตายแล้ว และเสร็จสมบูรณ์ด้วยความช่วยเหลือจากสหายของเธอ นิทรรศการนี้ทำขึ้นจากน้ำยางที่ขึงไว้เหนือเชือก สายเบ็ด และลวด และห้อยลงมาจากเพดาน มันจำลองลวดลายที่พันกันในอวกาศ เฮสส์ได้เปลี่ยนจากความประณีตแบบดั้งเดิมของศิลปะมินิมัลลิสต์ แต่วิธีการนำเสนอเนื้อหาของเธอนั้นรับรู้ได้ภายในแนวเพลง

โดนัลด์ จัดด์, Untitled Job (1980)

โดนัลด์ จัดด์ ปฏิเสธอย่างฉุนเฉียวเกี่ยวกับความสัมพันธ์ของเขากับความเรียบง่าย อย่างไรก็ตามเรื่องนี้เขาเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษผู้ก่อตั้ง ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ 20 ผู้เขียนค้นพบความเกลียดชังบางอย่างต่อคุณค่าทางศิลปะของยุโรป ดังนั้นเขาจึงย้ายออกจากงานประติมากรและเริ่มสร้างผลงานที่ไม่สามารถนำมาประกอบกับส่วนใดส่วนหนึ่งของศิลปะข้างต้นได้ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงที่ Major Structures ในนิวยอร์กด้วย

ในช่วงทศวรรษ 1980 จัดด์เริ่มสร้างชั้นวางแนวตั้งแบบแขวน ตัวอย่างนี้คือ "งานที่ไม่มีชื่อ" (1980) จนถึงขณะนี้งานประเภทนี้ไม่สามารถนำมาประกอบกับการวาดภาพได้ ไม่ใช่ประติมากรรม ชิ้นงานผลิตจากวัสดุ 2 แบบ คือ อลูมิเนียม และ plexiglass สิ่งนี้ทำเพื่อให้ผู้ชมนึกถึงธรรมชาติที่ขัดแย้งกันของศิลปะ: ตัวเลขที่ทึบแสงและครอบงำจากด้านข้างเชื่อมต่อกับส่วนลึกของพื้นที่ด้านหน้า